Tosin Abasi

Per me suonare la chitarra è un modo per esprimermi attraverso quello che considero uno degli strumenti più espressivi che abbiamo, cercando allo stesso tempo di lasciare la mia impronta su uno strumento così iconico.

Credo che la prima volta che la chitarra sia entrata davvero nel mio radar sia stata grazie a MTV. C’erano gruppi come Nirvana, Guns N’ Roses e Pearl Jam. Penso che nella chitarra ci fosse qualcosa di fortemente legato alla controcultura e, da adolescente, ero appassionato di cose come skateboard e fumetti. Credo che la chitarra fosse un’estensione di quel tipo di interessi giovanili. Le band trasmettevano un’energia che sembrava voler evitare il mainstream e rimanere fedele a se stessa. Da ragazzino trovavo tutto questo estremamente affascinante.

È cool.

 Tosin Abasi:

È letteralmente cool. La chitarra era cool. La cosa divertente è che a scuola suonavo nell’orchestra e suonavo il clarinetto. La chitarra era infinitamente più cool del clarinetto e credo che questo abbia avuto parecchio a che fare con il mio interesse.

Quando ho iniziato a studiare chitarra, non ho imparato affatto a leggere la musica. L’ho affrontata quasi come un percorso completamente diverso: imparavo a orecchio, cercavo di suonare i brani delle mie band preferite e cose del genere. Per questo la sentivo molto più personale. In prima media avevo una piccola band con alcuni amici e al talent show suonammo una cover dei Nirvana. Era divertente provare dopo la scuola e poi finalmente arrivare al concerto: era davvero emozionante e sembrava qualcosa di completamente diverso rispetto a suonare a un saggio. Capisci cosa intendo? Molto più cool. E poi c’era quel senso di soddisfazione... Non erano tantissimi i ragazzi che mettevano in piedi una propria band. Tecnicamente stavi suonando musica da adulti e sembrava quasi da duri riuscire a imparare un pezzo a orecchio, tenere la chitarra bassa e suonare qualcosa a tutto volume. Capisci cosa intendo?

Mi sono anche reso conto che imparare un nuovo riff o una nuova scala dava continuamente piccole gratificazioni: prima non riuscivi a fare una cosa e magari una settimana dopo ci riuscivi perfettamente. Quella scarica di dopamina legata a una piccola conquista diventava davvero coinvolgente. Quindi, in un certo senso, sono diventato dipendente dal migliorare, perché continuavo ad accumulare queste piccole vittorie.

Mi resi presto conto che, se riuscivo a spostare un accordo con barrè lungo il manico, potevo suonare tutte le mie canzoni preferite dei Bush, dei Nirvana e dei Weezer. Era ancora il periodo in cui la radio dominava e avevamo una stazione dedicata al classic rock. Sentivo cose come Rush, Van Halen e Hendrix e cominciai a pensare: “Ok, voglio imparare anche quella roba”. Van Halen fu un momento importante, perché mi sembrava che avesse portato la chitarra rock diversi passi più avanti, in un territorio completamente diverso. Manteneva comunque quell’impatto da chitarrista rock a tutto volume, ma c’erano una precisione e un tipo di intelligenza nel modo di suonare che non sentivo nelle altre cose.

Avevo un fratello maggiore che suonava la batteria e c’era un po’ il classico effetto del fratello maggiore: lui scopriva cose interessanti e poi me le faceva conoscere. Comprò una VHS di Modern Drummer, relativa a un Modern Drumming Festival. Credo ci fosse un intervento di Mike Portnoy e quello mi aprì le porte ai Dream Theater. Fu così che scoprii John Petrucci.

C’era un negozio di musica dalle mie parti, il Chuck Levin’s Washington Music Center. Io ero quel ragazzino che entrava per provare strumenti costosi che non poteva permettersi e sono sicuro che loro lo sapessero, ma erano molto disponibili. Non so, forse vedevano che prendevo sul serio la chitarra, quindi mi facevano conoscere video Hot Licks e REH, con gente come Frank Gambale, Greg Howe e Paul Gilbert. Ogni volta che entravo mi dicevano: “Dovresti comprare questo video didattico”. È stato attraverso quei video che ho conosciuto molti shredder e chitarristi hair metal della fine degli anni ’80 e dei primi ’90, ed è allora che ho cominciato a fissarmi proprio sulla tecnica.

La cosa curiosa è che la chitarra è ovviamente uno strumento creativo, un mezzo di espressione, quindi la musica non deve necessariamente essere difficile. Però, per me, migliorare come chitarrista era anche una ricerca personale e mi resi conto che il desiderio di progredire mi spingeva verso musica suonata da chitarristi che utilizzavano tecniche avanzate. E questo mi portò soprattutto verso il rock e il metal.

Quando cerchi ancora più complessità, il progressive metal e il progressive rock diventano territori nei quali i chitarristi possono davvero inserire quelle tecniche e quei concetti nella musica, senza essere limitati dalla necessità di rispettare una forma tradizionale della canzone. Per me, mentre imparavo a suonare, il progressive metal e anche il rock strumentale di artisti come Vai e Satch rappresentavano lo spazio ideale per ampliare l’idea di ciò che fosse possibile fare con lo strumento.

Direi che la mia prima vera band fu un gruppo chiamato PSI. Javier Reyes, che oggi suona la chitarra con me, all’epoca ne era il cantante. Esistevano già e stavano cercando un chitarrista; vidi un annuncio sul giornale. Avevo 16 o 17 anni e loro erano tutti un po’ più grandi. Potevano entrare nei locali e cose del genere. Ai miei occhi sembravano una vera band e pensai: “Chissà se sono in grado di suonare con questi ragazzi”. Fu sicuramente una bella esperienza farmi le ossa con musicisti più grandi e mi spinse ancora di più verso il metal, perché il sound che avevano sviluppato richiamava molto Sepultura e Slayer. Era più pesante rispetto a ciò che ascoltavo io in quel periodo. Javier, inoltre, suonava già una chitarra a sette corde: fu lui a farmela conoscere e da quel momento divenne praticamente il mio strumento principale.

Suonammo in tour e nella zona per alcuni anni, poi alla fine ci sciogliemmo. C’era un’altra band dell’area tra Washington DC, Maryland e Virginia chiamata Reflux, che faceva già qualche tour regionale. Finii per diventare amico di Ash, il cantante, che oggi è proprietario della Sumerian Records. Stavano cercando un chitarrista e quindi, quando i PSI si sciolsero, entrai nei Reflux e diventai sostanzialmente il principale autore dei brani. Fu lì che cominciai a unire alcuni degli elementi più pesanti dei PSI con le influenze più progressive e con le tecniche chitarristiche avanzate sulle quali stavo lavorando. Alla fine i Reflux firmarono con Prosthetic Records. Credo che sia stato allora che iniziai a ottenere un certo riconoscimento come chitarrista. Arrivò l’endorsement con Ibanez e tutto cominciò a sembrare più concreto, più professionale.

Andai in tour per un po’ con i Reflux. A un certo punto iniziai però a sentirmi frustrato per alcune lacune che avevo nella teoria musicale applicata alla chitarra. Ero principalmente autodidatta e mi ero concentrato molto sulla tecnica, ma non avevo grandi conoscenze teoriche. Decisi quindi di frequentare l’Atlanta Institute of Music. Fu allora che iniziai ad avvicinarmi un po’ anche alla chitarra classica e al jazz. Grazie all’Atlanta Institute of Music e a ciò che avevo imparato lì, a un certo punto mi ritrovai senza una band. Con Prosthetic Records, però, la nostra precedente band Reflex aveva ancora un album da realizzare per completare il contratto. Quindi alla Prosthetic mi dissero più o meno: “Ehi, vuoi portare a termine quest’ultima parte del contratto? Potresti fare un album solista”.

Ma non volevo fare tanto un album solista, quanto creare una band più vicina a qualcosa come i Liquid Tension Experiment, dove ciascun componente fosse un virtuoso a pieno titolo e i brani stessi diventassero veicoli per idee musicali davvero interessanti e complesse. Non volevo qualcosa tipo “Tosin Abasi Experience”, con me che faccio continuamente assoli sopra un beat rock. Accettai quindi la proposta e concepii gli Animals as Leaders. Non era propriamente un progetto solista, però ne ero in qualche modo l’ideatore. Quella fu sostanzialmente la nascita degli Animals as Leaders, la band nella quale suono ancora oggi. La cosa divertente è che avevo sempre visto le confezioni di corde Ernie Ball e, girandole, leggevo l’elenco degli endorser: era una lista impressionante di chitarristi. Eppure, per qualche motivo, non le avevo mai veramente usate. Qualche anno fa credo di aver provato le Cobalt, che furono un primo approccio interessante, e mi piacque molto la sensazione delle corde. Poi provai alcune Paradigm e ne rimasi conquistato. È una combinazione tra il feel delle corde e il modo in cui invecchiano quando sei spesso in tour e registri molto.

Inoltre, se posso evitarlo, non amo particolarmente cambiare da solo le corde della chitarra, quindi per me contano aspetti come la durata, la costanza del suono nel tempo e naturalmente il feel vero e proprio. Sai quando provi una corda e pensi: “Wow, che corde sono queste?”. Ecco, per me furono le Paradigm. Pensai: “Accidenti, queste mi piacciono”. Quello che trovo stimolante nella chitarra è la sua incredibile versatilità. Esistono tantissimi stili diversi e credo che stiamo vivendo un periodo davvero interessante per la cultura chitarristica. Vedo moltissimi giovani musicisti con una tecnica pazzesca. Possono attingere a tutta la ricchissima storia della chitarra e, grazie a Internet, hanno un accesso praticamente illimitato a tutto questo. È davvero stimolante vedere le nuove generazioni fare cose incredibili con lo strumento.

È stimolante anche avere alle spalle un repertorio come quello degli Animals as Leaders e avere ancora fan che vogliono vederci suonare. Anche questo continua a motivarmi. Ogni volta che andiamo in tour e suoniamo, rimango sempre colpito dall’energia e dalla positività. È bello essere un’influenza per altri chitarristi ed è bello avere questo rapporto reciproco con i fan. A quanto pare, quando scrivo musica sono un massimalista. Mi fa pensare al cibo: puoi avere del sushi oppure un curry vindaloo con trenta ingredienti diversi. Anche quando ci sono tantissimi ingredienti può esserci armonia tra loro, così come può esserci purezza in qualcosa composto da appena tre o quattro ingredienti.

Per qualche motivo sono sempre stato attratto da brani caratterizzati da un certo grado di complessità musicale e densità sonora. Non so spiegare perché. Credo sia semplicemente ciò che voglio sentire. È il modo in cui ho scelto di esprimermi. Quindi, per usare le parole di Yngwie Malmsteen: more is more. La chitarra giusta ti fa venire voglia di prenderla in mano e suonarla. È bello che esista tutta questa tradizione legata alla chitarra e, allo stesso tempo, che lo strumento continui ancora a evolversi, che si tratti di estenderne il range oppure di utilizzarlo con effetti diversi. La tavolozza a disposizione è praticamente illimitata. Io non sono uno di quelli che, per esempio, vive una separazione e poi scrive una canzone triste. Credo che nella musica esistano già moltissime ottime espressioni di quel tipo di sentimento. Quello che mi interessa è offrire esperienze emotive che siano più simili a sfumature che a colori ben distinti. Attraverso l’armonia puoi combinare le note in modi capaci di toccare le persone in maniera nuova, generando risposte emotive altrettanto nuove.

Una delle libertà che derivano dall’assenza di un cantante è la possibilità di suonare melodie che magari non avrebbero senso per la voce umana, ma che puoi affidare alla chitarra. Puoi anche utilizzare contenuti armonici che probabilmente non funzionerebbero allo stesso modo con una voce. Non capita spesso, per esempio, di sentire qualcuno cantare in minore melodica o in maggiore armonica. Nella musica strumentale sono disponibili tonalità che forse risultano meno adatte quando c’è un cantante. Cerco davvero di combinare questi elementi armonici in modo che, ascoltandoli, tu venga trasportato da qualche parte e sia difficile descrivere esattamente dove ti trovi. Idealmente, dovrebbe sembrare di essere su un altro pianeta. C’è una componente di evasione che mi piace molto. Una volta leggevo tantissima fantascienza e narrativa speculativa e quello che voglio fare è offrire esperienze emotive nuove, che non siano facilmente reperibili altrove.

Credo che scrivere la mia musica abbia sempre significato in parte emulare alcuni dei miei autori e gruppi preferiti e, allo stesso tempo, aggiungere una percentuale di contributo originale: quello che potevo metterci di mio, magari combinando elementi che normalmente non vengono accostati oppure riempiendo gli spazi lasciati dalle mie influenze, cercando semplicemente di lasciare la mia impronta. Dato che ero ossessionato dal migliorare come chitarrista, volevo sicuramente incorporare molti dei concetti che stavo imparando. Mi resi conto però che gran parte delle tecniche più avanzate veniva relegata all’assolo di chitarra: avevi una canzone normale e poi, a un certo punto, arrivava l’assolo. Scoprendo determinate band e determinati musicisti, invece, entrai in contatto con brani che non seguivano strutture tradizionali. Nel progressive metal mi piacevano moltissimo i Liquid Tension Experiment, ma anche King Crimson, Dream Theater e persino alcune cose della Pat Metheny Band. C’era la possibilità di reinterpretare ciò che una canzone poteva essere. Non c’erano regole e, anzi, eri incoraggiato a inserire una grande complessità musicale. E per qualche motivo ho sempre trovato stimolante la complessità musicale. Non sono mai stato particolarmente tradizionalista. Voglio dire, adoro Stevie Ray Vaughan, ma sicuramente ho passato molto più tempo cercando di suonare come Yngwie Malmsteen. Capisci cosa intendo?

Ho vissuto moltissimi bei momenti. Se avessi avuto una macchina del tempo e qualcuno mi avesse chiesto di scrivere tutte le cose che pensavo non mi sarebbero mai potute accadere, direi: andare in tour con Vai, Zakk Wylde, Yngwie e Nuno; suonare con i Meshuggah o addirittura andare in tour con loro; avere una mia chitarra signature; progettare una chitarra con Music Man; oppure avere un mio marchio di chitarre. Direi che queste sono probabilmente le esperienze che hanno segnato maggiormente il mio percorso.